北京爱乐之友合唱团 吴振江

    （在网上看到北京爱乐之友合唱团吴振江——网名：午夜星辰的后花园 地址：http://blog.sina.com.cn/zhenjiangwu ——的文章，经他本人同意，转载与此，希望对大家有帮助。）

开 场 白

    有人问：“学习声乐到底难不难”？这确实是个很难回答的问题。如果说它很难，只要不是聋哑人和五音不全的人，几乎每个人都可以哼唱几句；说它不难，可真正能够培养出优秀的歌唱家真可谓是“凤毛麟角”。声乐之所以难学，主要是难在它看不到、摸不着，只能凭着学生自己的“感觉走”。不像学习器乐，老师可以直接示范，学生听得见也看得到、摸得着，能够直接模仿，而声乐则不能。所以学习声乐要比学习其它门类的音乐存在着更多的困难，但只要我们能够认真学习，多用脑，多用嘴，多用耳，多听，多练，多思考，多听一些好的歌唱家的演唱，体会他（她）们的发声及唱歌方法，通过一段艰苦的学习，一定会取得很大的收获和进步。

唱 歌 的 呼 吸

    声乐一定要从学习呼吸开始。意大利著名男高音歌唱家、欧洲美声唱法的“开创者”卡鲁索（美声唱法开始兴起于法国，但真正建立美声唱法的科学体系是在意大利）曾经说过：“唱歌艺术的实质是呼吸的艺术”。他的这句名言，说明了“呼吸”在声乐艺术中的重要地位。

    呼吸虽然人人都会，他们歌唱的呼吸和生活的呼吸是两种完全不同的呼吸方法。生活的呼吸，只是需要维持生命所需的气量，实际上只利用了肺部的上端大约三分之一，而唱歌则不行。由于唱歌的音量大，乐句长，和根据各种不同歌曲的感情表现，就需要比生活吸入多得多的气量。只应用肺部的上端是远远不够的，就需要把整个肺部，特别是肺部的下部充分利用起来。人的肺脏是由两个三角形的气囊构成，越往下部空间越大，气息的容量也越大，而且，它的下面紧紧贴着的是像倒扣的盆一样的“横膈膜”，（我国民间叫它“丹田”）。横膈膜是具有极好弹力同时又可以控制的肌肉，当肺的下部慢慢的吸入气息，就会把横膈膜逐渐向下压平，这时的感觉是腰部（横膈膜的部位）明显向四周膨胀起来。经过短时间的“调整”（也可以叫“保持”）后，利用人体的“控制力”，慢慢地再把气息“呼”出去。这种横膈膜的控制力，正是每一个学习唱歌的人必须要通过不断练习和掌握的重要技巧和能力，而这种技巧和能力，正是唱歌所非常重要的。

    唱歌的呼吸和生活的呼吸，虽然都是呼吸，但它有许多不同之处，一个是吸气的部位不同，生活的呼吸，是在肺的上部，而歌唱的呼吸主要是利用肺部的下部。

    第二是吸入的气量不同，生活的呼吸气量小，而且量的多少，不会有大的区别，，而歌唱的呼吸应该是根据歌唱的需要，随时调整所需要气量的大小。

    三是呼吸的方式不同，生活的呼吸不需要人们的控制，也不需要调整，而唱歌的呼吸则必须由唱歌的人随时根据歌曲的情绪，速度，力度，乐句的长短不同以及其它的多种需要，随时调整自己吸气和呼气的多少与方式。

    关于吸气，美声唱法里一般只讲“快吸”和“慢吸”两种，而我国的民间唱歌，戏曲演唱等方面，多年来积累了至少有十几种甚至几十种不同的吸气方法，像吸气有快、慢之分，这点和外国相同，但除此以外，往往是根据演唱情绪的需要，“以情带气，以声带气”，有所谓的“偷气”、“抢气”、“抽气”、“叹气”、“砸气”、“带气”、“补气”、“长吸”和“短吸气”。在合唱里面还有“循环呼吸”等多种呼吸方式。

    “偷气”和“抢气”往往用于乐句间非常快而短的停顿下，不允许你作慢而长的吸气，例如：《去一个美丽的地方》歌中的开始一句“让歌声轻轻张开翅膀，轻轻张开翅膀”。其中两个句子之间非常紧的节奏，只能在这里“抢”一口气。这口气非常快只需要偷着补一点就够用了

    “抽气”往往用在悲愤情绪下使用，如在《黄水谣》一歌中，最后一段“黄水奔流日夜忙，妻离子散天各一方”一句的“妻”和“离”两个字之间，就用了“抽气”效果很好。又如《小白菜》一歌，也可以用“抽气”来表现。

    “砸气”演唱一种劳动歌曲时，为了表现出劳动的沉重感，比如唱《大路歌》中“哼哟咳吼咳咳吼咳！”的句子，就往往用“砸气”来表现。

    “带气”我们唱歌的人都会有这种感觉，就是一个乐句唱完了，不需要你专门去考虑呼吸，气已经被你“带”进去了。《祖国慈祥的母亲》中第一句“谁不爱自己的母亲”的“爱”和“自”两个字之间，可以“带”一口气，这个“带”也可以理解为“补气”，即这中间时间短，吸气急，而且用不着吸入很多的气，所以只要“补充”一点就够了。所以“补气”是唱歌里应用最广的一种吸气方法。唱歌中间，真正的正规呼吸，用的反而不多，而“补气”是在所有的呼吸中用得最多的一种。

    此外，“硬吸气”和“软吸气”也是常用的吸气方法。一般讲唱军歌，进行曲等雄壮有力的歌，需要用“硬呼吸”，而抒情性的歌曲，则需要用“软呼吸”。

    再一种是呼吸时气的“深、浅”与“多、少”，并不是说气吸得“越深越好”，“越多越好”，这“深和浅”、“多和少”一定要根据歌曲的性质，乐句的长短，力度的大小，情感的需要等等而定。随时加以调整与变化。

    总之：呼吸是唱好歌的重要基础，是每一位歌者在学习唱歌前必须解决的第一技巧。其实，歌唱的呼吸主要是练习“呼气”的控制能力。练习呼气，要努力作到“长，匀，松，高”四个字的要求。

1，“长”就是呼气的时间要尽量长。要作到长，关键是要始终保持“吸气”的状态。检查长的办法是用“嘶”的声音来检查。（发“嘶”的时候，使用舌尖轻轻顶住上牙的内部，并留有能够出气的小孔，气从小孔中呼出，即可听到“嘶”的声音）。

2，“匀”就是气流要尽量“均匀”，像一条“线”一样的“流”出来，不能忽强忽弱，忽高忽低。检查的方法也可以从“嘶”的声音中听出来，这是锻炼横膈膜控制力的最基本的练习方法。

3，“松”就是要尽量放松，不能有丝毫的紧张，检查的方法是把头作前后左右的摇动，我叫它作“摇头晃脑，左顾右盼”，而均匀的气息不会受到任何影响，否则就是不够放松。

4，“高”就是呼气时要尽量作到高位置，感到气息像一条“柱子”，从口腔上部直接向头顶方向呼去，然后通过两个眉毛之间向外“发射”出去。

    “长、匀、松、高”这四个字是彼此相联系不能分隔的关系，在练习呼吸的时候，要随时进行检查，纠正不符合四个字的缺点，并予以纠正。

    把生活的呼吸（胸式呼吸）改变为歌唱呼吸（胸腹式联合呼吸），并把它变成自己的生活习惯，充分利用肺的下部，大量的吸入气息，使我们的呼吸扩大化” 有利于健康，是我们学好唱歌的最根本的基本功。

合唱中声乐的《十六字诀》

    合唱中声乐的《十六字诀》就是：“高低、松通，扬开、竖拢，提笑、灵变，真假、直融”。

一、 “高、低”

    “高”指的是唱歌时的“共鸣位置要高”。声音是从声带经气息的震动而发出的。由于声带很薄，长短只有几个毫米宽，它本身不可能发出很强的声音，必须经过“共鸣”把声音扩大，再通过口腔“唱”出来。“共鸣”主要是通过人体的“共鸣腔”，而人体的共鸣腔大都在头部口腔“软口盖”以上，（包括口腔、鼻咽腔和头腔），只有少部分是在口腔以下，如唱低音时用胸腔共鸣。在我们唱低音的时候，会觉得胸腔和口腔在震动；当音域慢慢上移到达中音区时，就会觉得胸腔不再震动了，而口腔的上部和鼻咽腔在震动；当音域再继续向上移动，慢慢到达高音区，就会发现主要的共鸣区已经移到了头腔共鸣区。这种共鸣区的改变，会使我们的唱歌既省力，声音又明亮，有穿透力，传送得远。

    “低”指的是“气息位置要低”。人的肺脏是由两个三角形的气囊构成，越往下部空间越大，气息的容量也越大，而且，它的下面紧紧贴着的是像倒扣的盆一样的“横膈膜”（我国民间叫它“丹田”）。横膈膜是具有极好弹力又可以控制的肌肉。当肺的下部慢慢的吸入气息，就会把横膈膜逐渐向下压平，这时的感觉是腰部（横膈膜的部位）明显向四周膨胀起来。经过短时间的“调整”（也可以叫“保持”）后，利用人体的“控制力”，慢慢地再把气息“呼”出去。吸入的“气息位置要低”是每一个学习唱歌的人要掌握的最重要的技巧和能力。

二、“松、通”

    “松”就是要“放松”。松首先是“精神放松”和“思想放松”。唱歌容易紧张的地方是胸部，像堵住了一个东西；其次是喉部紧张，一唱起歌来脖子都涨硬起来，甚至血管都蹦起来了；再一个部位是口腔，舌头僵硬，嘴唇不灵活，连下巴都跟着僵硬起来了。全身放松，包括肩膀、脖子（喉咙）、下巴、口腔、舌头都必须彻底放松下来。从横膈膜一直到达头腔，要像一条“管子”似的通畅无阻。当然横膈膜是不能放松的，它必须永远保持紧张的“吸气状态”，一直把所吸入的气息全部用完为止，不能有丝毫的放松，这就叫做“保持”。

    “通”就是“畅通的通道”，是指从横膈膜到达头腔要保持是一条“畅通的通道”。铜管乐器所以声音如此响亮，是由于它有一条圆圆的、长长的管子，人的这条通道也应该像铜管乐器的管子一样通畅无阻，使吸入的气息很顺利的通过管子进入喉胧震动声带，然后在进入共鸣区发出声音。气息通过的第一道“关卡”是胸部，这个关卡的放松并不困难，最大的关卡在于“喉咙”，喉咙的“放松”主要是把下巴“放下来”，把舌头放平，软口盖提起来，喉结自然下沉。简单的讲就是要保持一种“打哈欠”的状态，尽量把喉咙“打开”，让气息自然的通过去，进入声带使之受到冲击而震动。

三、“扬、开”

    “扬”指的是“扬眉吐气”和“神采飞扬”。一个歌唱者必须时刻保持“扬眉吐气”和“神采飞扬”的精神状态。具有强烈的“自信心”。“扬”的反义词是“抑”，抑即压抑，唱歌最怕的是面对听众信心不足，放不开。有人讲：“在舞台上，我就是最好的，我就是最棒的”。只要有这样的信心和勇气，才能成为一个好的歌唱演员。

    “开”，就是作为一个歌唱者必须有开朗的性格，开阔的胸怀，开放的眼界，开创的思想境界。歌者的感情世界要十分丰富，懂得真正的爱和恨，并且善于通过自己的表演，充分展示出来。 “开”的另外一个含义是“打开”。唱歌首先是要张开嘴巴唱。

对于张开嘴巴的“标准”是：

（１）两牙之间能容下二指。

（2）两个食指分别放在耳部的“啮合关节”上，张开嘴后，食指指尖可以进入其中。

（3）舌头放平，提高软口盖，放松地作“打哈欠”的状态。

    另外，“开”是指张开鼻孔（扩大共鸣），张大眼睛（显得精神），在合唱时还要张开耳朵，倾听旁边歌手的声音，尽量与他（她）们融合在一起。

四、“竖、拢”

    “竖”指把声音“竖”起来，声通道“通”了，声音也就竖起来了。“竖”的要领是：深的（低的）气息支撑点，畅通无阻的呼吸通道，放松的喉咙，张开的嘴巴和放平的舌头，打哈欠的姿态和充分利用与合理利用的共鸣腔。这样一条“竖”的通道才能产生“竖”的声音效果。而“横”的声音是“扁而白”，俗称“大白声”。记住，唱歌和说话是两个“概念”，是两个不同的“发声方法”。

    “拢”就是指声音应该“收拢”，或者说要求“集中”，不要“分散”。要做到“拢而不散”，首先是要有充分的（而不是充足的）气息支持，把声音送入鼻咽腔，然后再慢慢提高音域送入头腔产生共鸣。发出的声音尽量“向后倒”，形成一条“抛物线”。这条抛物线是摸不着也看不见的，只能凭感觉。最后感觉是从两个眉毛中间把声音发出去。

    共鸣腔的大体分配是：低音区（指男低音和女低音声部）是以胸腔共鸣为主，加上部分口腔共鸣。中音区（指男低音和女低音的中音区和男高音和女高音声部的低音区）是以口腔共鸣与鼻咽腔的结合产生的共鸣。高音区（指男高音和女高音声部的中、高音区）是以头腔共鸣为主，同时一定要用真假声相结合的声音来唱歌，而且越往上唱，假声的成分会越多。

五、“提、笑”

    “提”就是提起精神。唱歌应该全神贯注，精气神实足。有些歌者（特别是业余演员）唱歌时萎靡不振，似乎总是提不起精神来，其实听众除了听你的歌声以外，还在看你的感情表达，要“以情带声，以声叙情，声情并茂”。

    “笑”就是歌者要有一张会笑的脸，和一双会说话的眼睛。我们今天唱的绝大部分都是健康的、热情的、愉快的、活泼的、明朗的歌曲，那么就更应该面带微笑了。声音美，形象也应该更美。

    其次是“提笑肌”。唱歌时要尽量把嘴角向上提起，而千万不可下坠。笑肌提起来了才会给人一种“微笑美”的感觉，面部表情看起来很舒服，而且提起了“笑肌”会帮助我们，使得声音更加“竖”起来。

六、“灵、变”

    “灵”就是要“灵活”不可呆板。歌会碰到许许多多意想不到的变化，这就需要唱歌的人，有随机应变的能力，特别是合唱，这种情况会更多，因为它不是你一个人在唱，而是大家一齐唱。你不仅要自己唱好，还要随时注意你的声部与其它声部的关系、彼此的配合等等。因此作为一名合唱队员要随时准备“灵活”与“变化”。所以，唱合唱不仅要唱，更重要的是一定要听。

    “变”即是“变化”。合唱中最大的变化是你的声音。在合唱中，是不允许有“抖音”存在的，应该提倡“直声法”。有抖音，哪怕是“小抖”也会破坏整体的融合度。因此作为一名合格的合唱队员，必须学会让自己的声音随着声部的整体要求而变化，把自己的声音完全融合到声部中间去。在指挥的统一手势下与声部，与全团保持发声方法的完全一致与统一，把自己完全“融合”在整体里。这种“变”的能力，是一个合唱队员必须具备的技巧与修养。

七、“真、假”

    “真声”和“假声”问题，一直是声乐界争论不休的问题。我们需要的是“真假声结合的发声方法”，即所谓的“真中有假，假中有真，适当调整分配比例，取得最佳声音效果”。

    在唱低音的时候，要求声音浑厚有力（比如男、女低音声部的低音区）就会多一些真声，但是完全的真声听起来比较生硬，干瘪，有压的感觉，这时就必须混以适当的假声，可以使声音柔和起来，再加上胸腔的共鸣，则可以取得较好的低音音色。音域逐渐向上提升，到了中音区，这时的共鸣腔也会跟着向上移动，这一段的音域应该说是人的声音的最佳音域。因为它既不高也不低，唱起来最舒服，而歌曲的音域也会在这里经常出现。这一段应该说真声，假声都是最容易表现的地方，换句话说，这一段用真声，假声都很好，我们认为既然这样，那我们就要根据不同的歌曲内容，风格和情感上的需要，或者真声多一些，或者假声多一些，把二者的关系调整好，取得最好的艺术效果。这叫作“真假声混合的发声方法”。然而到了高音区，就必须以假声为主了，因为这个音域真声已经不能胜任了，是到了假声加头腔共鸣的区域了。单纯的假声刚才已经讲过了，音域虽然高，但它的缺点是声音“虚而无力”，这就需要头腔共鸣来帮忙了。

八、“直、融”

    这最后两个字，是专门给合唱爱好者提出的要求。

    “直“就是“直声”。怎么才能获得直声呢？把声音直起来不是特别困难的事。“抖”来自两个方面，一个是气息不稳，二是舌头后部颤抖，练习的时候，要调整气息，让它尽量“长、匀、松、高”，其次是把舌头的抖动控制起来。只要把这两点作到了，唱歌时多加注意，就可以克服“抖”的毛病，成为一名合格的合唱队员了。有了“直声”，合唱队才能真正作到“融合”。

    “融”就是“融和”。这个“融”包括声部的“融”，整个合唱队四个声部的“融”。融”的关键方法是“听”，所以一个好的合唱队员不仅是用嘴，而更重要的是用“脑”和“耳”，用脑多思考，多理解指挥的意图，多看指挥的手势，多问几个为什么？用“耳”是要多听，听前后左右的“邻居”的各个方面，并把自己的声音努力向他（她）们靠拢，真正的“融”进去，“听”不但要听自己的声部，也要听其它声部，再听四个声部的整体效果。要明白自己声部在合唱中的地位，是“主”还是“附”，是“花”还是“叶”，是应该“上”还是“让”。当然，这一切指挥会及时告诉你的，但自己也应该明白，否则，只会盲目的跟着走，不能成为一个好的自觉的合唱队员。

    总之，上面讲的“十六字箴言”必须牢牢记住，朝这个方向努力，不断地克服自己已经形成的“毛病”，我们的歌唱水平就会有很大的提高。

    注：指挥家、作曲家徐汉文是中国音乐学院作曲系教授（已退休）；中国音乐家协会会员；中国合唱协会会员；北京老同学合唱团三团常任指挥。